Proyecto de un CICLO DE CONFERENCIAS/CONCIERTO que se presenta para optar a una subvención del IVC, año 2020.
Proemio
“Sucedió lo que yo más temía”, este lacerante epitafio de la poeta Alejandra Pizarnik podría valernos a todos los músicos ‘experimentales’ y artistas sonoros valencianos cuando nos llegue la hora.
Al comenzar a redactar estas notas, me doy de frente con la noticia de que inesperadamente acaba de morir José Luis Berenguer, el músico valenciano que hizo posible Actum (1973-1984) o Ensems (1979-84), y que construyó, en 1972, los dos primeros ‘generadores de sonido’ que nacieron en nuestra tierra (el uno analítico y el otro sintético), que funcionaron razonablemente bien y que nos permitieron crear el Estudio-Actum de música electrónica (1975-84). José Luis también fue capaz de concebir, redactar y publicar el primer libro en español dedicado a la música electrónica (Introducción a la música electrocústica, Valencia, Torres editor, 1974). Como ‘compositor’ inventó y practicó una escritura gráfica clara y sugerente, que permitía ser leída por músicos y no músicos. Una de esas obras -“Comic”- ha sido mil veces leída/sonada en público, y reeditada en México. Un modelo de escritura icónica copiado/imitado hasta la saciedad.
Y me llega la noticia, no a través de un medio académico o reflejado en la prensa usual/cultural valenciana sino transmitida en una desconocida revista (mil gracias) llamada “Enderrock”, para la que nuestro compañero no fue importante por ser un músico creador, ‘experimental’, electroacústico. (un auténtico pionero, “un adelantado”, en palabras del crítico Valls Gorina) sino porque – oh casualidad feliz – para la desconocida y amable revista, Berenguer fue, en los 60’, el ‘guitarrista’ de los magníficos pops “Els 4Z”. Sin minimizar por supuesto, los aciertos guitarrísticos de juventud, ¿No resulta, hasta cierto modo injusto, qué un músico, intelectual y creador de su talla, sea más recordado por los seguidores de su adolescencia pop, que por los músicos llamados “académicos” entre quienes también realizó aportes significantes? Sin duda, la razón de este olvido, evidentemente, no es intencional y se debe al absoluto desconocimiento de su obra. No es la primera vez que en Valencia, se olvida a las y los músicos que ya no existen más, pero que fueron parte fundamental del desarrollo y la apertura en la concepción de “la música”, en este país. Es tiempo de hacer sonar los olvidos.
Propuesta para realizar unas Jornadas sobre Músicas experimentales y arte sonoro en y desde Valencia.
Especialmente dedicado a los músicos/actum Jordi Francés y J. Ll. Berenguer.
Entre los años 70’y 80’, el mundo vive un cambio en lo sonoro/musical que modifica irreversiblemente la creación sonora mundial dándole a esta una variedad y una dis- tinción de rango ético y social por los contextos paisajísticos y humanos tan determinantes o más que los puramente compositivos de las generaciones anteriores.
En España, este cambio tendrá un calado muy especifico, pues nuestro país vive por esas fechas un transitar más que profundo, pues se quisieron dejar atrás, rotundamente, modos y personas poco o nada acordes con unos deseos de libertad y horizontal colaboración.
Por su parte Valencia, concreta estos años de profunda transición, asistiendo y hasta degustando el bullir creador de un grupo – ACTUM – cuyo heterodoxo manifestarse aboca en 1979 en el engendrar/nacer/crecer de un festival –ENSEMS-palabra cuidadosamente escogida por Actum por su matiz de un crear colectivo y aglutinador y que se traduce por “juntos” – o “ Primers Actes de Música Alternativa. Després de Cage”. Nunca antes, nunca después, gozó nuestra cultura valenciana de un cambio más inesperado y atrevido.
Tras ya más de 40 años, nuestros modos de escucha(r), y nuestra relación con la materia sonora se han ensanchado de forma tal, que se salen ampliamente de los esquemas y formas compositivas de un pasado que quedó – para el contexto del hoy – si no momificado, sí ya acartonado, y limitado en exceso.
Valencia, a día de hoy, vive con naturalidad y hasta cierto aprecio muchos de los nuevos comportamientos del mundo artístico/sonoro de nuestros días. Por otro lado, muchos artistas/músicos coterráneos esparcen por el ancho mundo actitudes y decisiones auditivas que en nuestras tierras, – dios sabrá porqué – no acaban de urdir y conformar una apreciable narración rica, compleja y completa. Nada nuevo bajo el sol de esta Valencia, pues ya algo así ocurrió entre 1930 y 1945 con el Cura Castillejo, el inventor del Electrocompositor musical, o también con el microtonalista de Alboraya llamado Panach Ramos o cuando, al acabar la contienda civil, el granadino Val del Omar, a la sazón integrado en el vivir valenciano, llevó a cabo en nuestras calles y plazas su visionario Circuito Perifónico.
Algo más cerca, también ocurrirá con muchas de las actitudes y propuestas de nuestro muy genial compañero y maestro Carles Santos, cuyo “minimalismo apasionado” (Tom Johnson dixit) y escenográfico, desde nuestra valencia oficial, mil veces quedará reducido a anécdota más o menos superficial y hasta risible.
Todo indica que, como en el caso de Berenguer, somos muchos los que no podemos aceptar tanta indolencia ni superficialidad. Nunca que sepamos, cuando se relee el pasado, a los músicos que se salen del tiesto/confort de lo esperado, se les concede un trato semejante a lo que es usual cuando de un videoartista, escultor, diseñador o compositor coetáneo se trata.
Hemos, pues nobleza obliga, de insistir, explicar y reflexionar.
A partir de estos presupuestos y consideraciones, proponemos la puesta en acto de un CICLO de conferencias/charlas/concierto que muestre de manera explícita, el engarce de ciertos paradigmas que bañan el hoy sonoro mundial con los de nombres y praxis de ciertos creadores valencianos quienes, con su determinación y audacia nos sembraron nuestro presente de modo tal que este devino mas rico, complejo, respetuoso y habitable.
Lo sonoro/musical se democratizó, devino cosa de todos, no de oligocracias más o menos excelsas. “Soy el peor músico más famoso del mundo”, repetía Nam June Paik, y nosotros nos sumamos a tanto atrevimiento.
Plan de trabajo
El ciclo que proponemos, constará de 4 sesiones, a realizar a lo largo de 4 semanas consecutivas, y en un lugar céntrico y de fácil acceso (podría ser la SGAE, pero puede ser otro fácilmente accesible como Octubre Centre de Cultura Contemporània, IVAM, o el Centre del Carme, entre otros).
Cada una de estas sesiones comenzará con una exposición teórica, e irá acompañada de la entrega a cada cual de un resumen con bibliografía útil y aclaradora, así como de una serie de acciones, propuestas y presentaciones sonoras, a cargo de artistas sonoros conocedores y practicantes, cada uno de ellos, en lo nuclear, del tema del día.
Daremos cumplida atención a un imperativo categórico que nos obliga a abordar – con algo ya de urgencia – el fomentar más visibilidad, credibilidad, y espacio a un montón de praxis que – por miedo, oscuridad o desatención – se les escurren a las instituciones académicas y administrativas – y a quienes las pueblan y dirigen.
Todo un mes (¡noviembre!), semana tras semana.
Sesión primera.- de Actum (1973) al Ensems (1979).
Los años 70 fueron un amontone de paradigmas a degustar/desgranar. Actum fue expositor/transmisor de actitudes minimalistas, cageanas, improvisatorias, visivas, accionales…..y hasta de incitación a los oidores a devenir artistas, poniendo en practica el “Jeder mench ist ein Künstler” (todo hombre es un artista) del artista/chaman alemán Joseph Beuys.
El acto, amen de la parte expositiva que correrá a cargo de LL. Barber y del musicólogo Dr. José Vicente Gil-Noé, contará con las intervenciones de (entre otros): AmaDeu Marín (ex ACTUM-La Plana), y de voluntarios del público.
Obras Actum a interpretar: “Comic” (partitura icónico/visual de J.Ll. Berenguer), “Límites” e “Interior tímbric per a Llorenç Barber” de Jordi Francés, “equis” per guitarra eléctrica de AmaDeu Marín, y “Música a distancia” propuesta del colectivo Actum (1979) a poner en pie por los artistas y el público asistente.
Sesión segunda.- Los fértiles y sinuosos años 80’.
Son estos los brillantes años del gran Carles Santos, pero también los de la apoteosis de los minimalismos, las músicas habladas y las poesías sonoras, esto es, del manifestarse del grupo emblemático que tomará el nombre de FLATUS VOCIS TRIO y que -no por casualidad- nace en Valencia, en la TRAMESA D’ART (1987), el evento artístico mas importante de estos años.
Son también estos los años de los fanzines, del ‘mail art’ y de los ‘cassettes’ con su facilidad de guardar y transportar retazos del cotidiano sonar/crear. . . . . . . . .
Las intervenciones ilustrativas, de esta segundasesión estarán a cargo de Pep Llópis (minimalísmo: ¡Poiemusía¡), Maríaelena Roqué , compañera durante decenios de los conciertos/espectáculo de nuestro Carles Santos, José Luis Miralles interpretará “fins l’últim llangostí” de Carles Santos, y finalmente de Bartomeu Ferrando (poeta sonoro, performer e integrante del Flatus Vocis Trio).
Sesión tercera.- Las Bandas desatascadas.
Valencia es para muchos de nosotros así como para el resto de la humanidad, tierra de bandas. Pero estancadas, engullidas por sus cientos de “certámenes” virtuosos y muy tocados por un tipo de emulación que las emboza en sí mismas.
En los años 90’, al margen de todo ello surgirá en/por/y/para las bandas valencianas una NUEVA MONUMENTALIDAD SÓNICA, esto es un poner en patencia, no mas raciones de virtuosismo sinfónico trasladado mecánicamente a su sonar, sino un potenciar todas las virtualidades y especificidades de su ser un conjunto multiinstrumental disciplinadamente preparado para- mas allá de lo conocido- esparcirse y ocupar creativa, inusitada y plurifocalmente el terreno sobre el que las bandas dibujan y proyectan sus múltiples y mil veces sinuosas bocas sonoras.
En efecto, desde 1992 hasta hoy, multitud de bandas – sobre todo de la Vall d’Albaida – se prestarán gozosas a practicar “una polirítmica y heterofonica celebración de sonido, compuesta de encontronazos, contrastes, superposiciones, insistencias y repeticiones….la banda – se afirmará- es un arma que, bien afilada y afinada, puede – trampeándonos- revolucionar nuestro concepto de música, de arte, de sociedad, de mundo.
La banda es – o puede ser – utopía en marcha” dirá Llorenç Barber, y lo publicará el Diario Levante el 6 de marzo de 1993, con motivo del estreno de “PIETAS”, una propuesta para 18 bandas, cuatro de ellas móviles.
Ilustrará esta sesión el músico/y/artista sonoro Miquel Ángel Marín, nieto de músicos valencianos que vendrá de las tierras del Ebro, y quien nos ofrecerá una muy performativa e (in)formal serie de acciones con, contra, sin, tras, cerca, sobre, bajo, lejos, entre, junto a, dentro de….¡ un clarinete !
Sesión cuarta.- El Arte Sonoro.
Hijo tanto de las muy diversas praxis tanto de a) músicos ‘experimentales’ como de
b) artistas plásticos que se entregan a la exploración de las cualidades inmateriales y fungibles del inquieto y frágil sonar, surgen aquí y allá, y sea en contextos de intemperie o sea en galerías, halls de museos, o lugares de características sónicas singulares (intervenciones “in situ”) un cúmulo de propuestas en las que, muchas veces, el sonar queda instalado en el espacio intervenido y es el visitante/oidor con su adentrarse, permanecer y hacer mutis por el foro quien pone el tiempo, ¡‘su’ tiempo!, a ese fluir sonoro que alimentado por la vivacidad y energía de la electricidad, queda constantemente en pie, sonando.
Es lo que hemos dado en llamar el Arte sonoro, y su manifestación -nunca única- pero si la más paradigmática y conocida, será la Instalación sonora.
Una selección de
a) Instalaciones de los chelvanos, de origen holandés, Peter Bosch & Simone Simons,
b) Así como de algunos ejemplos de City Concerts de muy diversas ciudades del mundo,
serán este día, los ejemplos que ilustren estos nuevos modos de pensar escuchando.
c) Siguiendo la costumbre del Festival Nits d’Aielo i Art, en estas Jornadas Nits. Se hará entrega del Premi Cura Castillejo al propondré mes desaforat (Premiado o premiada por confirmar).
Participantes
AMADEU MARÍN. Una de las iniciativas más atrevidas y fértiles de Actum fue incitar a su público, muchas veces numeroso, a tomar la responsabilidad de unirse al colectivo, y ensayar con ellos hasta poder intervenir en sus conciertos. Muchos fueron los que se sintieron concernidos, y así enriquecieron instrumental, compositiva y humanamente la vida creativa de Actum.
Sin duda el hecho de que Amadeu Marín, a la sazón estudiante de guitarra eléctrica y licenciándose en idiomas modernos se sumara al grupo dio pronto nuevas energías y nueva vida al grupo.
Desde su inicial “Jogina” (1976) a su ambiciosa y compleja “Sons habitant un espai” (1980) propuesta esta que en la que se plantea dejar sonar en plurifocalidad unos sonidos que de tanto en tanto ‘habitan’ partes de tiempo y de espacio, al modo – neutro – en que lo haría una ‘instalación’, su colaboración en el seno de Actum fue una fiesta de iniciativas y estímulos. Además creó en su Castelló, diversas actividades que adquirieron carácter propio y entusiasmo Actum a la enésima
Amadeu Marín. Té una sòlida formació clàssica adquirida en el Conservatori de València, Marín va perfeccionar els seus estudis jazzístics en nombrosos tallers i seminaris amb músics de la talla de Pat Metheny, Siguen Levitt i Louis Stewart. A més ha seguit estudis de composició contemporània amb destacats compositors, com ara Giorgio Ligetti, Cristóbal Halffter, Luis de Pablo o Carmelo Bernaola. Ha format part de col·lectius d’avantguarda musical, com ACTUM, i ha actuat en la majoria de festivals de música contemporània i jazz al nostre país.
LLORENÇ BARBER. (Aielo de Malferit, 1948). Proponer intervenciones sonoras y composiciones espacio-temporales de gran magnitud, le llevan a crear el concepto de Plurifocalidad, y a entrar en los intersticios de las comunidades culturales y del Arte sonoro en espacios públicos, concibiendo así, “La ciudad como orquesta”.
Llorenç Barber es músico, compositor, escritor, investigador, perfomer y pionero en la concepción del Arte sonoro en Europa. Habla catalán, francés, alemán, italiano, inglés, y latín, estudia composición en Siena con Franco Donatoni; en Darmstadt con Stockhausen, Ligeti y Kagel; en Bayreuth con Boulez; y en Londres con Christian Wolff.
Tras aprender la técnica vocal de canto difónico “Khoomi”, con Trân Quang Hai, Kosugi y Charlie Morrow. Crea el campanario portativo, un instrumento único con el que desarrollará una técnica vocal e instrumental de factura propia.
Sus conciertos de ciudad con campanas han sido realizados en más de 150 ciudades del mundo, sirviendo como marco sonoro de clausura para tres capitales culturales (Lisboa, Copenhague, Estocolmo), Bienales de Arte (Japón, Francia,Tailandia, Brasil) como inauguración a Cumbres Internacionales de jefes de Estado y de Gobierno (Salamanca, Roma) y demás conmemoraciones civiles. Su trabajo ha merecido reflexiones, filmografías, libros y tesis doctorales.
En 2017 recibe junto a Carles Santos, el primer Premio Bankia al Talento Musical de la Comunidad Valenciana. En ese mismo año, su obra “SOUND RITES, An utopian ‘City Concert’ of Rotherham as Example for the humanity” para campanas, tubular bells, coro procesional de niños, y cinco Muazzin Nasheed, recibió el Premio Guiness por su “excepcionalidad y belleza”. En 2018 su obra “Som cos, som foc, som” nuevamente recibe el Premio Guiness al mayor ensamble de percusión corporal (20,000 músicos de Banda). En 2018 se le otorga el título de Doctor por la Liberis Artium Universitas con un sobresaliente Cum Laudem. Desde 2005 es Académic Corresponent de la catalana Academia de S. Jordi y desde 2011 es profesor invitado del Máster Arte Sonoro de la Universidad de Barcelona y Director del Máster en Arte sonoro por la ESMAR de Valencia desde el 2020.
JOSÉ VICENTE GIL-NOÉ, o la musicología engulle la heterodoxia-actum.
La actividad Actum tuvo desde el comienzo un apoyo explicito en la prensa musical local. Tanto López-Chávarri como Salvador Seguí fueron fervientes comentaristas de las audacias-Actum. Y junto a ellos, justo es recordar que un músico como Don Paco Llácer os acompañó con entrega y convencimiento.
La musicología académica necesitó mas tiempo, pero a comienzos del s. XXI, apareció Gil-Noé con un proyecto investigador serio, que bien pronto devino realidad. Así , en 2010 su trabajo de investigación “El compositor Llorenç Barber y su iniciativa Actum” se presento en público, y bien pronto el inicio de una tesis doctoral que, intensa y profunda, abarca los “100 años de Arte Sonoro valenciano” . En unos meses estará editada.
Desde entonces hasta hoy, la musicología internacional habla de Actum y de Llorenç Barber en (casi) todas las publicaciones. Citemos -como muestra- a Jean-Yves Bosseur quien en su “La musique du XXe siècle (2008, p.199), o al crítico Jean-Noèl von der Weid quien en “La Musique du XX siècle” (2010, p.533) habla de la “musique liberante, vive et antitechnocratique” de Actum.
Será a partir de esta presencia de ACTUM en Europa que la musicología toma conciencia de la dimensión novedosa del crear de actum. Citemos a Alberto Gonzáles Lapuente, quien en el tomo 7 de la monumental “Historia de la Música en España e Hispano América” (2012, pp.247-250) se ocupa ampliamente de lugar de Actum en el crear musical español.
PEP LLÓPIS. Hablar de mimimalismos españoles, años 80’, sin detenerse en Pep Llopis y su aroma compositivo en el que lo étnico, la tonalidad y ciertos recursos propios de la contemporánea bullen juntos, es faltar a la realidad. Por otro lado, su cercanía a A. Tordera, Esperanza Abad, o Llorenç Barber le emparenta con el espíritu Actum.
Su obra “Poiemusía, la Nau dels Argonautes”, constituye todo un hito espectacularmente reeditado 25 años mas tarde a nivel mundial. Asimismo su presencia constante en el mundo del audiovisual, la danza, el teatro y finalmente (desde la creación del ”Aula d’altres músiques” (1998) en la práxis de la improvisación más exigente.
BARTOLOMÉ FERRANDO (Valencia, 1951) Performer i poeta visual. Professor titular de performance i art intermèdia en la Facultat de Belles Arts de València. Coordina la revista Text poético.Como performer participa en festivals i trobades celebrats a Europa, Canadà, Mèxic, EUA, Equador, Rep.Dominicana, Argentina, Xile, Veneçuela, Japó, Corea, Singapur, Vietnam i Israel. Exposa la seua poesia visual i concreta en diverses ciutats de l’Espanya, Itàlia i França. Forma part dels grups Flatus Vocis Trio, Taller de Música Mundana, Rojo, SIC i JOP dedicats al desenrotllament de pràctiques creatives situades a mitjan camí entre la música, la poesia i l’art d’acció.
MARIAELENA ROQUÉ. Imposible narrar nada sobre músicas experimentales en Valencia sin abordar la volcánica personalidad creadora y humana de un músico excepcional que – por otro lado- todos identificamos como un artista valenciano prototípico. Hablamos de Carles Santos. Y pues, ya que Carles no está corporalmente entre nosotros, contamos con la persona que durante décadas ha compartido trabajos, ilusiones, prisas, diseños y las ansias y los éxitos propias del trabajo escénico que Carles escogió como campo creativo. Su nombre Mariaelena Roqué. Ella como nadie, sabe del genio, las trabas, las soluciones y atrevimientos de Carles Santos. Mariaelena Roqué (Tarragona 1952) és una artista multidisciplinara catalana-veneçolana. Escenògrafa, performer i creadora audiovisual. En 1995 va co-fundar la companyia Carles Santos dins la qual va crear elements escenogr`fics i vestuaris. Va a ser sòcia, col.laboradora i parella del músic durant mes de vingt anys actuant en la part visual d’òperas i expectacles, amb actuacions performatives i accions conjuntes. .
MIQUEL ÀNGEL MARÍN – Clarinet (La Cava-Deltebre, 1966) Músic de formació acadèmica: Conservatori Municipal de Barcelona (Juli Panyella) i Hochschule für Musik Karlsruhe, Alemanya (WolfgangMeyer); practica tant la música de repertori clàssic com la improvisació lliure i la creació musical, donant concerts per tot Europa
(Alemanya, França, Portugal, Itàlia, Islàndia…), Corea i Israel. Com a solista i músic de cambra s’ha presentat amb orquestres i quartets: Polnische Kammerphilarmonie, Orquestres de Cambra del Conservatori de Moscou, Leos Janacek Ostrava (Festival de Torroella de Montgrí), de Brno (Palau de la Música de València), de Vila-Seca, Catalana, Orquestra do Norte, Simfònica Martinu Zlin, Sori Orchestral
Ensemble (Seoul Arts Center, Corea), Orquestra de València; els quartets Moyzes,Venus-Kapralova i Dafna (quartet de l’Orquestra Filharmònica d’Israel), Aleph Gitarrenquartett; ha format part de l’Orquestra do Norte (Portugal) i ha col.laborat amb les orquestres Filharmonia de Galícia, Simfònica de Galícia, Simfònica del Vallès i Cambra Filharmònica Txeca. Ha estat professor en escoles de música i conservatoris alemanys i catalans: Conservatori de Vila-Seca (2000-10), de Vila-Nova i la Geltrú (1999-2000), Conservatori Municipal de Barcelona (anys 2017
i 2019)… Des de l’any 2001 mostra en públic creacions musicals pròpies: improvisació, acció musical, poesia, performance, clarinet preparat, vídeo.
Des de l’any 2005 fins al 2016 va coordinar el festival d’arts experimentals ‘Bouesia’. Actiu com a músic improvisador en l’escena musical de Barcelona amb Misaluba, Carles Andreu, Joan Saura, Lucas Quejido, Usted es un colectivo, Don Simón y Telefunken, Mariona Sagarra, Oriol Roca, Nico Roig, Xavi Lloses…Apolo 2, LEM, Heliogàbal, Impronits, Bar Elèctric, MACBA, Arts Santa Mònica, Espai Brossa, Fundació Tàpies…
Actualment forma part del Col·lectiu Free’t, Trio Tria (amb Montserrat Palacios i Llorenç Barber), Triangle (amb Oriol Aymat i Dani Espasa) i Orquestra de Cambra Catalana. Destacar les seves col·laboracions amb Carles Hac Mor, Ester Xargay i Llorenç Barber, en diversos projectes poètics i musicals. Ha publicat els llibres “Lo clarinet és l’aixada” (CafèCentral/Emboscall) i “Música és enxampar mosques” (Arola).
JOSÉ LUIS MIRALLES BONO. Vila-real (1985). Artista que parteix de l’experimentació sonora en les corrents post-Cage buscant les interseccions sinestèsiques so-imatge tenint sempre el piano de cua i la música dels segles XX i XXI com a eix vertebrador. Les seves accions inclouen visuals a temps real, il·luminació experimental – llum que ix de l’interior d’un piano – i art sonor.
Es destaca SONOTRAZOS, presentat a la Fira Internacional d’Art Contemporani MARTE (IV Edició), una performance de partitures gràfiques, pre-existents i de nova creació, utilitzant materials tant diversos com ceràmica i vidre o seqüència de fotografies. Alguns resultats d’aquest projecte s’han cristal·litzat com a videoarts de crítica social (LNOAH) o homenatges a dissenyadors valencians que ens han deixat (Vicent Vidal in Memoriam).
Ha col·laborat estretament amb l’Escola d’Art i Superior de Disseny de Castelló, la Nit del Art de Castelló i la Fira MARTE -que va inaugurar en la seva 1a edició amb la creació de “Els 12 principis de l’art”. Ha rebut encàrrecs de la Fundació Dàvalos-Fletcher i la Fundació Caixa Castelló, Fundació Caixa Vinaròs i ha sigut becat per Bancaixa, Caja Madrid i Ibercaja.
En el seu últim projecte BEYOND THE PIANO 2020 encarregat per l’Institut Valencià de la Música per estrenar-se en l’Auditori i Palau de Congressos (maig al 2019), comença un camí d’exploració sobre les reinterpretacions i recomposicions d’obres ja preexistents. Aquest projecte explora el nou concepte de la interpretació assistida per ordinador; en el qual crea noves lectures i escoltes actuals d’obres experimentals per a piano de segle XX, utilitzant la tecnologia musical d’avui per transformar-les en noves sonoritats; similars i diferents alhora.
Durant la crisi del COVID-19, ha estat un dels premiats per la convocatòria «Cultura en línia #CMCVaCasa» de el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, per el seu projecte “i Carles esdevingué piano”, en el que es reinterpreta el Tocatico Tocatà de Carles Santos per donar-li nova vida com a peça pianística, junt amb un curt-metratge documental i una app on-line en la que qualsevol pot fer la seva pròpia interpretació amb les onomatopeies de Santos.
L’artista sonor Llorenç Barber diu d’ell:
“Sigo con curiosidad e interés sus propuestas artístico sonoras, y he de decir que veo en todas ellas un entrevere de solidez y audacia, propia de quien carga con una formación ‘clásica’, pero se desenvuelve con soltura en los terrenos intermedia, en su caso, en la estela de Scriabin, Dick Higgins (fluxus), o – mutatis mutandis – de su paisano Carles Santos.
PETER BOSCH Y SIMONE SIMONS.
P. Bosch y S.Simons, son los valencianos (de origen holandés) más internacionales que practican el arte de LAS INSTALACIONES SONORAS. Desde el inicio de su práctica sónica, allá por los años noventa; viven y trabajan en Chelva, un lugar de tradiciones agrícolas cercano a Valencia. Peter estudió sonología en el Conservatorio de La Haya, y Simone audiovisuales de la Academia Gerrit Rietveld en Amsterdam. “La fuerza bruta del sonido, – dicen- en su limpio manifestarse (música) siempre será parte integral de todas nuestras manifestaciones”; y citan a Nikola Tesla como su inspirador, pues ya en 1896 provocó una especie de terremoto con tan sólo ajustar a la viga central de su estudio neoyorkino un simple y pequeño motor oscilante. A partir de este modelo nacerán sus “proyectos oscilatorios”. En 1990-92 crean la “Electric Swaying Orchestra”, una compleja “instalación” que aprovecha el paso “del orden al caos” mediante mínimos cambios.»
FECHAS Y HORARIOS
Fechas a proponer: los 4 martes del mes de Noviembre, días 3, 10, 17 y 24.
Horario: de 18h a 21h.
Entrada libre. Hasta completar aforo (según distancia se de seguridad por coronavirus).
Organización y coordinación. Montserrat Palacios y Llorenç Barber
Nota. En caso de confinamiento por COVID, las Jornadas Nits podrían realizarse mediante plataforma on-line.
La Canyada de Paterna, agosto 2020.
